我的大学导师不喜欢对景写生，我当然能理解他的初衷与理论依据：一、对景描摹很被动,难以合理化组织画面；二、会被细节牵绊，不能简化抽离出艺术性。假如看过他的作品，你会发现他的坚持是有道理的。因为他的画作色彩简练，黑白节奏韵律分明，构图毫无维和。他也常常教导我们，画画要把某一种语言探索发挥到极致。

      受他的影响，我曾经试着脱离现象的细枝末节与不和谐，创作了一些实验性的节奏鲜明的作品。简化，极致，会提升画作艺术性，但观久了必定会觉得编造的颜色太过单薄，不耐寻味。

      当代的画家，有多半是习惯坐在画室里对照片画风景。照片的颜色是相机感光元件再现出来的，是机器瞬间捕捉到的光影秩序。它是片面的，不带视觉错觉的过于客观严肃的再现，我们在照片上感受不到自然。

      写生相比编造表现，相比较对着照片画，它有这样几点优势：首先，三四个小时的对景观察，光影随日光挪移而变幻，画面是所有变幻浓缩积累后的成果，非一瞬间单薄的再现，因此会厚重；其次，眼睛直面大自然，不单能有温度的感知到相机感受不到的微妙细节，而且生理视觉的色彩错觉正是艺术性的工具手段。缺乏这两点，画面会失灵气。

       所以，只有对景写生,并且忠于自然的作品，汲取天地灵气，微妙厚重耐人久久回味。

      但是，对景写生受时间空间限制，只能是潦草速写，并不能或较难形成细腻的大创作。所以，列维坦每每会利用写生积累素材，像中国文人山水画家一样再回工作室推敲构造大型风景作品。这样，能带着习作的新鲜印象对构图色调反复雕琢的风景，才能达到完美的再现。既取舍内容成就和谐构图与色调统一，又注入了真实的感受，使画面鲜活感人。

      西方人的反复习作然后埋头创作的手段也许不是个中国的画家，至少我是很难实践。写生的画作尽管自然鲜活却时不时会有缺陷，结合创作，把写生的画在画室适度雕琢修改，需要时再次拿出写生修改，这样反复几次，效果必定不错。